Αμερικανοί καλλιτέχνες. 7 δάσκαλοι που εξέπληξαν τον κόσμο

Οι Αμερικανοί καλλιτέχνες είναι πολύ διαφορετικοί. Κάποιοι ήταν ξεκάθαρα κοσμοπολίτες, όπως ο Sargent. Αμερικανός στην καταγωγή, αλλά έζησε σχεδόν όλη την ενήλικη ζωή του στο Λονδίνο και το Παρίσι.

Ανάμεσά τους υπάρχουν και αυθεντικοί Αμερικανοί που απεικόνισαν τη ζωή μόνο των συμπατριωτών τους, όπως ο Rockwell.

Και υπάρχουν και καλλιτέχνες που δεν είναι αυτού του κόσμου, όπως ο Πόλοκ. Ή εκείνων που η τέχνη τους έχει γίνει προϊόν της καταναλωτικής κοινωνίας. Πρόκειται φυσικά για τον Γουόρχολ.

Ωστόσο, είναι όλοι Αμερικανοί. Ελευθερόφιλος, τολμηρός, φωτεινός. Διαβάστε επτά από αυτά παρακάτω.

1. James Whistler (1834-1903)

Ο Γουίστλερ δύσκολα μπορεί να ονομαστεί πραγματικός Αμερικανός. Μεγαλώνοντας έζησε στην Ευρώπη. Και τα παιδικά του χρόνια τα πέρασε... στη Ρωσία. Ο πατέρας του έφτιαξε έναν σιδηρόδρομο στην Αγία Πετρούπολη.

Ήταν εκεί που το αγόρι Τζέιμς ερωτεύτηκε την τέχνη, επισκεπτόμενος το Ερμιτάζ και το Πέτερχοφ χάρη στις διασυνδέσεις του πατέρα του (εκείνη την εποχή ήταν ακόμα παλάτια κλειστά για το κοινό).

Για τι φημίζεται ο Γουίστλερ; Με όποιο ύφος κι αν γράφει, από ρεαλισμό μέχρι τοναλισμό*, μπορεί να αναγνωριστεί σχεδόν αμέσως από δύο χαρακτηριστικά. Ασυνήθιστα χρώματα και μουσικά ονόματα.

Μερικά από τα πορτρέτα του είναι μίμηση παλαιών δασκάλων. Όπως, για παράδειγμα, το διάσημο πορτρέτο του «The Artist’s Mother».

Ο καλλιτέχνης δημιούργησε ένα εκπληκτικό έργο χρησιμοποιώντας χρώματα που κυμαίνονται από ανοιχτό γκρι έως σκούρο γκρι. Και λίγο κίτρινο.

Αυτό όμως δεν σημαίνει ότι ο Whistler αγαπούσε τέτοια χρώματα. Ήταν ένας εξαιρετικός άνθρωπος. Θα μπορούσε εύκολα να εμφανιστεί στην κοινωνία φορώντας κίτρινες κάλτσες και κρατώντας μια φωτεινή ομπρέλα. Και αυτό ήταν όταν οι άντρες ντύθηκαν αποκλειστικά στα μαύρα και γκρι.

Έχει επίσης πολύ πιο ανάλαφρα έργα από το «Mother». Για παράδειγμα, "Symphony in White". Έτσι ονόμασε τον πίνακα ένας από τους δημοσιογράφους της έκθεσης. Ο Whistler άρεσε αυτή η ιδέα. Έκτοτε έχει τιτλοποιήσει μουσικά σχεδόν όλα του τα έργα.

Αλλά τότε, το 1862, η Συμφωνία δεν άρεσε στο κοινό. Και πάλι, λόγω των περίεργων χρωμάτων του Whistler. Ο κόσμος θεώρησε ότι ήταν παράξενο να ζωγραφίζει μια γυναίκα στα λευκά σε λευκό φόντο.

Στην εικόνα βλέπουμε την κοκκινομάλλα ερωμένη του Γουίστλερ. Αρκετά στο πνεύμα των Προραφαηλιτών. Άλλωστε, εκείνη την εποχή ο καλλιτέχνης ήταν φίλος με έναν από τους βασικούς ιδρυτές του Προ-Ραφαηλισμού, τον Gabriel Rossetti. Ομορφιά, κρίνα, ασυνήθιστα στοιχεία (δέρμα λύκου). Όλα είναι όπως πρέπει.

Όμως ο Γουίστλερ απομακρύνθηκε γρήγορα από τον Προ-Ραφαηλισμό. Αφού δεν ήταν σημαντική για αυτόν η εξωτερική ομορφιά, αλλά η διάθεση και τα συναισθήματα. Και δημιούργησε μια νέα κατεύθυνση - τον τονισμό.

Τα νυχτερινά τοπία του σε στυλ τοναλισμού είναι πραγματικά σαν μουσική. Μονόχρωμο, παχύρρευστο.

Ο ίδιος ο Whistler είπε ότι οι μουσικοί τίτλοι βοηθούν στην εστίαση στον ίδιο τον πίνακα, τις γραμμές και τα χρώματα. Ταυτόχρονα, χωρίς να σκέφτομαι τον τόπο και τους ανθρώπους που απεικονίζονται.

Ο τονισμός, όπως και το κοντινό του ιμπρεσιονισμός, στα μέσα του 19ου αιώνα, το κοινό επίσης δεν εντυπωσιάστηκε. Πολύ μακριά από τον ρεαλισμό που ήταν δημοφιλής εκείνη την εποχή.

Όμως ο Γουίστλερ θα έχει χρόνο να περιμένει την αναγνώριση. Προς το τέλος της ζωής του οι άνθρωποι θα αρχίσουν να αγοράζουν πρόθυμα το έργο του.

2. Mary Cassatt (1844-1926)

Η Mary Cassatt γεννήθηκε σε μια πλούσια οικογένεια. Μπορούσε να ζήσει όλη της τη ζωή ανέμελα. Παντρευτείτε και κάνετε παιδιά. Εκείνη όμως διάλεξε διαφορετικό δρόμο. Λήψη όρκου αγαμίας για χάρη της ζωγραφικής.

Ήταν φίλη μαζί της Έντγκαρ Ντεγκά. Μια φορά την Τετάρτη ιμπρεσιονιστές, με γοήτευε για πάντα αυτή η κατεύθυνση. Και το «Κορίτσι με μπλε καρέκλα» είναι το πρώτο ιμπρεσιονιστικό έργο που είδε το κοινό.

Αλλά σε κανέναν δεν άρεσε πραγματικά η εικόνα. Τον 19ο αιώνα, τα παιδιά απεικονίζονταν ως υπάκουα καθισμένοι άγγελοι, με κατσαρές μπούκλες και ροδαλά μάγουλα. Και εδώ είναι ένα παιδί, που σαφώς βαριέται, κάθεται σε πολύ χαλαρή στάση.

Αλλά ήταν η Mary Cassatt, που δεν είχε ποτέ τα δικά της παιδιά, που ήταν σχεδόν η πρώτη που άρχισε να τα απεικονίζει ως φυσικά, όπως είναι.

Εκείνη την εποχή, ο Cassatt είχε ένα σοβαρό «ελάττωμα». Ήταν γυναίκα. Δεν είχε την πολυτέλεια να πάει μόνη της στο πάρκο για να ζωγραφίσει από τη ζωή. Επιπλέον, πηγαίνετε σε ένα καφέ όπου μαζεύτηκαν άλλοι καλλιτέχνες. Όλοι οι άντρες! Τι θα μπορούσε να κάνει;

Γράψτε μονότονα γυναικεία tea party σε σαλόνια με μαρμάρινα τζάκια και ακριβά σετ τσαγιού. Η ζωή είναι μετρημένη και ατελείωτα βαρετή.

Η Mary Cassatt δεν έλαβε ποτέ αναγνώριση. Στην αρχή την απέρριψαν για τον ιμπρεσιονισμό της και την υποτιθέμενη ημιτελή φύση των έργων της. Στη συνέχεια, ήδη από τον 20ο αιώνα, έγινε έντονα «ξεπερασμένο», αφού η Art Nouveau ήταν στη μόδα (Κλιμτ) και ο Φωβισμός (Ματίς).

Όμως παρέμεινε πιστή στο στυλ της μέχρι το τέλος. Ιμπρεσιονισμός. Απαλό παστέλ. Μητέρες με παιδιά.

Για χάρη της ζωγραφικής, η Cassatt εγκατέλειψε τη μητρότητα. Αλλά η θηλυκή της πλευρά εκδηλώθηκε όλο και περισσότερο σε τόσο τρυφερά έργα όπως το «Sleeping Child». Είναι κρίμα που η συντηρητική κοινωνία την αντιμετώπισε κάποτε με μια τέτοια επιλογή.

3. John Sargent (1856-1925)

Ο Τζον Σάρτζεντ ήταν σίγουρος ότι θα ήταν ζωγράφος πορτρέτων σε όλη του τη ζωή. Η καριέρα μου πήγαινε καλά. Αριστοκράτες παρατάχθηκαν για να τον παραγγείλουν.

Αλλά μια μέρα, σύμφωνα με την κοινωνία, ο καλλιτέχνης πέρασε τα όρια. Τώρα είναι δύσκολο για εμάς να καταλάβουμε τι είναι τόσο απαράδεκτο στην ταινία «Madame X».

Είναι αλήθεια ότι στην αρχική έκδοση η ηρωίδα είχε ένα από τα λουριά της κάτω. Ο Σάρτζεντ τη «μεγάλωσε», αλλά αυτό δεν βοήθησε τα πράγματα. Οι παραγγελίες έχουν στερέψει.

Τι άσεμνο πράγμα είδε το κοινό; Και το γεγονός ότι ο Sargent απεικόνισε το μοντέλο σε μια υπερβολικά σίγουρη πόζα. Επιπλέον, το ημιδιαφανές δέρμα και το ροζ αυτί είναι πολύ εύγλωττα.

Η εικόνα φαίνεται να λέει ότι αυτή η γυναίκα με αυξημένη σεξουαλικότητα δεν είναι αντίθετη στο να δεχτεί τις προόδους άλλων ανδρών. Επιπλέον, το να είσαι παντρεμένος.

Δυστυχώς, οι σύγχρονοι δεν είδαν το αριστούργημα πίσω από αυτό το σκάνδαλο. Ένα σκούρο φόρεμα, ανοιχτόχρωμο δέρμα, μια δυναμική πόζα - ένας απλός συνδυασμός που μόνο οι πιο ταλαντούχοι τεχνίτες μπορούν να βρουν.

Αλλά κάθε σύννεφο έχει μια ασημένια επένδυση. Ο Σάρτζεντ έλαβε την ελευθερία του ως αντάλλαγμα. Άρχισα να πειραματίζομαι περισσότερο με τον ιμπρεσιονισμό. Γράψτε σε παιδιά σε άμεσες καταστάσεις. Κάπως έτσι εμφανίστηκε το έργο «Γαρύφαλλο, Κρίνος, Κρίνος, Τριαντάφυλλο».

Ο Σάρτζεντ ήθελε να απαθανατίσει μια συγκεκριμένη στιγμή του λυκόφωτος. Επομένως δούλευα μόνο 2 λεπτά την ημέρα όταν ο φωτισμός ήταν κατάλληλος. Δούλεψε καλοκαίρι και φθινόπωρο. Και όταν τα λουλούδια μαράθηκαν, τα αντικατέστησα με τεχνητά.

Τις τελευταίες δεκαετίες, ο Sargent ανέπτυξε τέτοια γεύση για ελευθερία που άρχισε να εγκαταλείπει εντελώς τα πορτρέτα. Αν και η φήμη του έχει ήδη αποκατασταθεί. Μάλιστα απέλυσε με αγένεια μια πελάτισσα, λέγοντας ότι θα χαιρόταν περισσότερο να ζωγραφίσει την πύλη της παρά το πρόσωπό της.

Οι σύγχρονοι αντιμετώπισαν τον Sargent με ειρωνεία. Θεωρώντας το ξεπερασμένο στην εποχή του μοντερνισμού. Όμως ο χρόνος έχει βάλει τα πάντα στη θέση τους.

Τώρα τα έργα του δεν αξίζουν λιγότερο από τα έργα των πιο διάσημων μοντερνιστών. Λοιπόν, δεν υπάρχει τίποτα να πούμε για την αγάπη του κοινού. Οι εκθέσεις με τα έργα του είναι πάντα sold out.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς έναν πιο δημοφιλή καλλιτέχνη κατά τη διάρκεια της ζωής του από τον Norman Rockwell. Πολλές γενιές Αμερικανών μεγάλωσαν με τις εικονογραφήσεις του. Τους αγαπώ με όλη μου την ψυχή.

Εξάλλου, ο Ρόκγουελ απεικόνιζε απλούς Αμερικανούς. Αλλά ταυτόχρονα δείχνοντας τη ζωή τους από την πιο θετική πλευρά. Ο Ρόκγουελ δεν ήθελε να δείξει ούτε κακούς πατεράδες ούτε αδιάφορες μητέρες. Και δεν θα συναντήσετε κανένα δυστυχισμένο παιδί μαζί του.

Τα έργα του είναι γεμάτα χιούμορ, πλούσια χρώματα και πολύ επιδέξια αποτυπωμένες εκφράσεις του προσώπου από τη ζωή.

Αλλά είναι μια ψευδαίσθηση ότι η δουλειά ήταν εύκολη για τον Rockwell. Για να δημιουργήσει έναν πίνακα, μπορεί πρώτα να τραβήξει έως και εκατό φωτογραφίες των θεμάτων του για να καταγράψει τις σωστές χειρονομίες.

Τα έργα του Rockwell είχαν τρομερή επιρροή στο μυαλό εκατομμυρίων Αμερικανών. Άλλωστε, μιλούσε συχνά μέσα από τους πίνακές του.

Κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, αποφάσισε να δείξει για τι πολεμούσαν οι στρατιώτες της χώρας του. Έχοντας δημιουργήσει επίσης τον πίνακα "Ελευθερία από την επιθυμία". Με τη μορφή της Ημέρας των Ευχαριστιών, όπου όλα τα μέλη της οικογένειας, καλοφαγωμένα και ικανοποιημένα, χαίρονται τις οικογενειακές διακοπές.

Μετά από 50 χρόνια στο Saturday Evening Post, ο Rockwell έφυγε για το πιο δημοκρατικό περιοδικό Look, όπου μπόρεσε να εκφράσει τις απόψεις του για κοινωνικά ζητήματα.

Το πιο εντυπωσιακό έργο εκείνων των χρόνων είναι το «The Problem We Live With».

Αυτή είναι η αληθινή ιστορία ενός μαύρου κοριτσιού που πήγε σε ένα σχολείο λευκών. Από τότε που ψηφίστηκε νόμος ότι οι άνθρωποι (και επομένως τα εκπαιδευτικά ιδρύματα) δεν πρέπει πλέον να χωρίζονται ανά φυλή.

Αλλά δεν υπήρχε όριο στην οργή των κατοίκων της πόλης. Στο δρόμο για το σχολείο, η κοπέλα φρουρόταν από την αστυνομία. Αυτή είναι η στιγμή «ρουτίνας» που έδειξε ο Rockwell.

Αν θέλετε να γνωρίσετε τη ζωή των Αμερικανών με ένα ελαφρώς στολισμένο φως (όπως ήθελαν να τη δουν οι ίδιοι), φροντίστε να παρακολουθήσετε τους πίνακες του Rockwell.

Ίσως, από όλους τους ζωγράφους που παρουσιάζονται σε αυτό το άρθρο, ο Rockwell είναι ο πιο Αμερικανός καλλιτέχνης.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

Σε αντίθεση με τον Rockwell, ο Wyeth δεν ήταν τόσο θετικός. Από τη φύση του ερημίτης, δεν προσπάθησε να εξωραΐσει τίποτα. Αντιθέτως, απεικόνιζε τα πιο συνηθισμένα τοπία και απαράμιλλα πράγματα. Μόνο ένα χωράφι με σιτάρι, μόνο ένα ξύλινο σπίτι. Αλλά κατάφερε ακόμη και να δει κάτι μαγικό μέσα τους.

Το πιο διάσημο έργο του είναι το «Christina’s World». Ο Wyeth έδειξε τη μοίρα μιας γυναίκας, της γειτόνισσας του. Παράλυτη από την παιδική της ηλικία, σέρνονταν γύρω από τη φάρμα της.

Δεν υπάρχει λοιπόν τίποτα ρομαντικό σε αυτή την εικόνα, όπως μπορεί να φαίνεται στην αρχή. Αν κοιτάξετε προσεκτικά, η γυναίκα είναι οδυνηρά αδύνατη. Και γνωρίζοντας ότι τα πόδια της ηρωίδας έχουν παραλύσει, καταλαβαίνεις με λύπη πόσο μακριά έχει ακόμα από το σπίτι.

Με την πρώτη ματιά, ο Wyeth έγραψε το πιο συνηθισμένο πράγμα. Εδώ είναι ένα παλιό παράθυρο ενός παλιού σπιτιού. Μια άθλια κουρτίνα που έχει ήδη αρχίσει να μετατρέπεται σε θραύσματα. Το δάσος είναι σκοτεινό έξω από το παράθυρο.

Αλλά υπάρχει κάποιο μυστήριο σε όλο αυτό. Κάποια άλλη ματιά.

Έτσι ξέρουν τα παιδιά να βλέπουν τον κόσμο με ανοιχτό μυαλό. Ο Wyatt μοιάζει με τον ίδιο τρόπο. Και είμαστε μαζί του.

Όλες τις υποθέσεις του Γουάιθ χειριζόταν η γυναίκα του. Ήταν καλή διοργανώτρια. Ήταν αυτή που ήρθε σε επαφή με μουσεία και συλλέκτες.

Υπήρχε λίγος ρομαντισμός στη σχέση τους. Έπρεπε να εμφανιστεί η μούσα. Και έγινε μια απλή, αλλά με εξαιρετική εμφάνιση, η Helga. Αυτό ακριβώς βλέπουμε σε πολλές δουλειές.

Φαίνεται ότι βλέπουμε μόνο μια φωτογραφική εικόνα μιας γυναίκας. Αλλά για κάποιο λόγο είναι δύσκολο να απομακρυνθείς από αυτήν. Το βλέμμα της είναι πολύ περίπλοκο, οι ώμοι της τεντωμένοι. Είναι σαν να είμαστε εσωτερικά τεταμένοι μαζί της. Προσπαθώντας να βρει μια εξήγηση για αυτή την ένταση.

Απεικονίζοντας την πραγματικότητα με κάθε λεπτομέρεια, ο Wyeth την προίκισε μαγικά με συναισθήματα που δεν μπορούν να αφήσουν κανέναν αδιάφορο.

Ο καλλιτέχνης δεν αναγνωρίστηκε για πολύ καιρό. Με τον ρεαλισμό του, αν και μαγικό, δεν ταίριαζε στις μοντερνιστικές τάσεις του 20ού αιώνα.

Όταν οι εργαζόμενοι του μουσείου αγόραζαν τα έργα του, προσπάθησαν να το κάνουν αθόρυβα, χωρίς να τραβήξουν την προσοχή. Σπάνια διοργανώνονταν εκθέσεις. Αλλά προς ζήλεια των μοντερνιστών, είχαν πάντα μια ηχηρή επιτυχία. Οι άνθρωποι έρχονταν σωρεία. Και έρχονται ακόμα.

Διαβάστε επίσης για τον καλλιτέχνη στο άρθρο «Ο κόσμος της Χριστίνας. Το αριστούργημα του Andrew Wyeth».

6. Τζάκσον Πόλοκ (1912-1956)

Ο Τζάκσον Πόλοκ δεν μπορεί να αγνοηθεί. Διέσχισε μια ορισμένη γραμμή στην τέχνη, μετά την οποία η ζωγραφική δεν θα μπορούσε να είναι η ίδια. Έδειξε ότι στην τέχνη είναι γενικά δυνατό να κάνεις χωρίς όρια. Όταν άπλωσα τον καμβά στο πάτωμα και τον έβαλα μπογιά.

Και αυτός ο Αμερικανός καλλιτέχνης ξεκίνησε με την αφηρημένη τέχνη, στην οποία το εικονιστικό μπορούσε ακόμα να εντοπιστεί. Στο έργο του της δεκαετίας του '40, «Stenographic Figure», βλέπουμε τα περιγράμματα τόσο του προσώπου όσο και των χεριών. Και μάλιστα σύμβολα που καταλαβαίνουμε με τη μορφή σταυρών και μηδενικών.

Το έργο του εγκωμιάστηκε, αλλά ο κόσμος δεν βιαζόταν να το αγοράσει. Ήταν φτωχός σαν το ποντίκι της εκκλησίας. Και έπινε ξεδιάντροπα. Παρά τον ευτυχισμένο γάμο. Η γυναίκα του θαύμαζε το ταλέντο του και έκανε τα πάντα για την επιτυχία του συζύγου της.

Αλλά ο Πόλοκ ήταν αρχικά μια κατεστραμμένη προσωπικότητα. Από τα νιάτα του, ήταν ξεκάθαρο από τις πράξεις του ότι ο πρόωρος θάνατος ήταν το πεπρωμένο του.

Αυτό το σπάσιμο θα οδηγήσει τελικά στο θάνατό του σε ηλικία 44 ετών. Θα έχει όμως χρόνο να κάνει επανάσταση στην τέχνη και να γίνει διάσημος.

Και αυτό το έκανε σε μια περίοδο δύο ετών νηφαλιότητας. Μπόρεσε να εργαστεί γόνιμα το 1950-1952. Πειραματίστηκε για αρκετή ώρα μέχρι να φτάσει στην τεχνική του drip.

Απλώνοντας έναν τεράστιο καμβά στο πάτωμα του αχυρώνα του, περπάτησε γύρω του, σαν να ήταν στον ίδιο τον πίνακα. Και πιτσιλίστηκε ή απλά χύθηκε μπογιά.

Οι άνθρωποι άρχισαν να αγοράζουν πρόθυμα αυτούς τους ασυνήθιστους πίνακες από αυτόν για την απίστευτη πρωτοτυπία και την καινοτομία τους.

Ο Πόλοκ κυριεύτηκε από τη φήμη και έπεσε σε κατάθλιψη, μη καταλαβαίνοντας πού να κινηθεί μετά. Το θανατηφόρο μείγμα αλκοόλ και κατάθλιψης δεν του άφησε καμία πιθανότητα επιβίωσης. Μια μέρα μπήκε στο τιμόνι πολύ μεθυσμένος. Τελευταία φορά.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Μόνο σε μια χώρα με τέτοια λατρεία κατανάλωσης όπως στην Αμερική θα μπορούσε να γεννηθεί η ποπ αρτ. Και ο κύριος εμπνευστής του ήταν, φυσικά, ο Άντι Γουόρχολ.

Έγινε διάσημος παίρνοντας τα πιο συνηθισμένα πράγματα και τα μετέτρεψε σε έργο τέχνης. Αυτό συνέβη με ένα κουτάκι με τη σούπα του Κάμπελ.

Η επιλογή δεν ήταν τυχαία. Η μητέρα του Γουόρχολ τάιζε τον γιο της αυτή τη σούπα κάθε μέρα για περισσότερα από 20 χρόνια. Ακόμα και όταν μετακόμισε στη Νέα Υόρκη και πήρε μαζί του τη μητέρα του.

Μετά από αυτό το πείραμα, ο Warhol άρχισε να ενδιαφέρεται για την μεταξοτυπία. Από εκεί και πέρα, έβγαζε φωτογραφίες αστέρες της ποπ και τις έβαψε σε διάφορα χρώματα.

Κάπως έτσι εμφανίστηκε η διάσημη ζωγραφική του Μέριλιν Μονρό.

Παρήχθη ένας αμέτρητος αριθμός τέτοιων λουλουδιών με οξύ Marilyn. Ο Γουόρχολ έβαλε την τέχνη σε ροή. Όπως θα έπρεπε να είναι σε μια καταναλωτική κοινωνία.

Ο Γουόρχολ δεν σκέφτηκε βαμμένα πρόσωπα από το πουθενά. Και πάλι, δεν ήταν χωρίς την επιρροή της μητέρας. Ως παιδί, κατά τη διάρκεια της παρατεταμένης ασθένειας του γιου της, του έφερε πακέτα με βιβλία ζωγραφικής.

Αυτό το παιδικό χόμπι εξελίχθηκε σε αυτό που έγινε η τηλεκάρτα του και τον έκανε υπέροχα πλούσιο.

Δεν ζωγράφισε μόνο αστέρες της ποπ, αλλά και τα αριστουργήματα των προκατόχων του. Το κατάλαβα επίσης «Αφροδίτη» του Μποτιτσέλι.

Το “Venus”, όπως και η Marilyn, έχει γίνει πολύ. Η αποκλειστικότητα ενός έργου τέχνης «σβήστηκε» σε σκόνη από τον Γουόρχολ. Γιατί το έκανε αυτό ο καλλιτέχνης;

Να εκλαϊκεύσεις παλιά αριστουργήματα; Ή, αντίθετα, να προσπαθήσετε να τα υποτιμήσετε; Απαθανάτισε τους αστέρες της ποπ; Ή να πασπαλίζουμε τον θάνατο με ειρωνεία;

Τα χρωματιστά έργα του της Μαντόνα, του Έλβις Πρίσλεϋ ή του Λένιν είναι μερικές φορές πιο αναγνωρίσιμα από τις πρωτότυπες φωτογραφίες.

Αλλά τα αριστουργήματα σχεδόν δεν επισκιάστηκαν. Παρόλα αυτά, η παρθένα «Αφροδίτη» παραμένει ανεκτίμητη.

Ο Γουόρχολ ήταν ένα άπληστο party animal, προσελκύοντας πολλούς περιθωριοποιημένους ανθρώπους. Ναρκομανείς, αποτυχημένους ηθοποιούς ή απλά ανισόρροπα άτομα. Ένα από τα οποία τον πυροβόλησε μια φορά.

Ο Γουόρχολ επέζησε. Όμως 20 χρόνια αργότερα, λόγω των συνεπειών μιας πληγής που είχε υποστεί κάποτε, πέθανε μόνος στο διαμέρισμά του.

χωνευτήρι των ΗΠΑ

Παρά τη σύντομη ιστορία της αμερικανικής τέχνης, το φάσμα είναι ευρύ. Μεταξύ των Αμερικανών καλλιτεχνών υπάρχουν οι ιμπρεσιονιστές (Sargent), οι μαγικοί ρεαλιστές (Wyeth), οι αφηρημένοι εξπρεσιονιστές (Pollock) και οι πρωτοπόροι της pop art (Warhol).

Λοιπόν, οι Αμερικανοί αγαπούν την ελευθερία επιλογής σε όλα. Εκατοντάδες ονομασίες. Εκατοντάδες έθνη. Εκατοντάδες στυλ τέχνης. Γι' αυτό είναι το χωνευτήρι των Ηνωμένων Πολιτειών της Αμερικής.

*Τοναλισμός - μονόχρωμα τοπία σε γκρι, μπλε ή καφέ αποχρώσεις, όταν η εικόνα είναι σαν σε ομίχλη. Ο τονισμός θεωρείται κλάδος του ιμπρεσιονισμού, καθώς μεταφέρει την εντύπωση του καλλιτέχνη για αυτό που είδε.

***

Σχόλια άλλους αναγνώστες Δες παρακάτω. Είναι συχνά μια καλή προσθήκη σε ένα άρθρο. Μπορείτε επίσης να μοιραστείτε τη γνώμη σας για τον πίνακα και τον καλλιτέχνη, καθώς και να κάνετε μια ερώτηση στον συγγραφέα.

Αγγλική έκδοση του άρθρου